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Joan Miró et Ferrà était un peintre, sculpteur et céramiste espagnol né à Barcelone.

Devenue une renommée internationale, son œuvre a été interprétée comme du surréalisme mais avec un style personnel, virant parfois aussi au fauvisme et à l'expressionnisme. Il se distinguait par son intérêt pour l'inconscient ou le subconscient, reflété dans sa recréation de l'enfant. Ses œuvres difficiles à classer témoignent également de la fierté catalane. Dans de nombreuses interviews datant des années 1930, Miró exprime son mépris pour les méthodes de peinture conventionnelles comme moyen de soutenir la société bourgeoise et déclare un « assassinat de la peinture » en faveur du bouleversement des éléments visuels de la peinture établie.

niood énumère les 10 œuvres les plus célèbres de Joan Miro :

1. La ferme, 1922

Titre catalan : La Ferme

L'une des œuvres qui a le plus laissé perplexe les gens était La Ferme, que Miró a réalisé dans les années 1920-1 et qui sera toujours considéré comme son premier chef-d'œuvre. Il se trouve désormais à la National Gallery of Art de Washington (qui est également le lieu final de cette exposition) comme cadeau de la veuve de l'écrivain américain Ernest Hemingway.

Si les amitiés de Miró parmi les surréalistes de Paris sont bien connues, il est peut-être un peu plus inattendu qu'il soit proche d'Hemingway et qu'il connaisse un échantillon représentatif des célèbres expatriés britanniques et américains. Il boxa avec Hemingway et le fit séjourner à Mont-roig, l'endroit à l'extérieur de Tarragone représenté avec des détails étonnants dans La Ferme. Miró a déclaré à un journaliste en 1928 : «La Ferme était un résumé de toute ma vie à la campagne. Il montre les dépendances de Mont-roig, avec les animaux domestiques, les récoltes et le matériel. Le chien aboie à la lune d'une manière que l'on voit dans un tableau ultérieur. La grande réussite de Miró est de rendre ce détail succinct et absolument clair. Il ne s’agit pas d’une impression de ce lieu très apprécié, mais plutôt d’une version condensée.

La ferme, 1921-1922 - Joan Miro - WikiArt.org

2. Le Carnaval des Arlequins, 1925

Titre espagnol : Le Carnaval Arlequin

Lorsque Miro s'installe dans l'atelier de Pau Gargallo, rue Blomet à Paris, il entre en contact avec des poètes et des artistes appartenant à un groupe issu du dadaïsme. En 1924, celui-ci devient le groupe surréaliste centré sur le poète André Breton. Miro n’a jamais été un surréaliste orthodoxe. Cependant, le mouvement a légitimé l’utilisation du rêve et de l’inconscient comme matière première artistique. Elle lui offre ainsi la possibilité de libérer son propre style pictural en lui permettant de combiner librement les éléments terrestres et magiques vus dans sa période « détailiste ». Le Carnaval d'Arlequin est un bon exemple de ce changement. Le monde de l'imagination et du subconscient, plutôt que d'être une fin en soi, était pour Miro une façon de donner forme dans ses peintures à ses expériences vécues et à ses souvenirs. Le Carnaval d'Arlequin est considéré par les critiques d'art comme un récit du subconscient humain. Il est considéré comme le point culminant du style surréaliste personnel de Miro. Avec Persistance de la mémoire de Salvador Dali, Le Carnaval d'Arlequin est devenue l'image la plus emblématique du mouvement surréaliste.

Joan Miró – Le Carnaval d'Arlequin (1924 – 1925) – Artschaft

3. Le Chasseur (Paysage catalan), 1924

Titre catalan : Paysage catalan (El caçador)

Celui de Joan Miró Le chasseur (paysage catalan) peut sembler abstrait, mais un examen plus attentif révèle un paysage peuplé d'un riche assortiment de figures humaines et animales et de formes naturelles qui constituent ensemble une iconographie de la vie de l'artiste. Le chasseur, debout sur le côté gauche de la composition, a un corps en forme de bonhomme allumette et une tête triangulaire. Une pipe dépasse juste à droite de sa moustache touffue et son cœur flotte près de sa poitrine. Dans une main, il tient un lapin fraîchement tué, dans l'autre, un pistolet encore fumant. Cette figure de chasseur remplace Miró et apparaît dans plusieurs de ses autres œuvres.

À la recherche des chefs-d'œuvre : Le Chasseur (Paysage catalan) de Miró - Le blog d'art contemporain KAZoART

4. Peinture (Étoile bleue), 1927

Des formes linéaires délicates flottent sur le bleu ouvert que Miro associait aux rêves. Avec André Masson, Miro est le premier à créer une imagerie utilisant des techniques automatiques dans lesquelles les formes semblent surgir directement de l'inconscient. À partir de là, il développa son propre langage des signes, qui simplifiait des choses familières telles que les étoiles, les oiseaux et les parties du corps.

Étoile bleue, 1927 par Joan Miro

5.Bleu II, 1961

Titre français : Bleu II

Les trois tableaux grand format de Miro Bleu I – III font partie d'une série de triptyques qu'il a peints au début des années 1960 dans son nouvel atelier de Majorque.

En 1961, après trois voyages aux États-Unis et des expositions à la Galerie Maeght à Paris et à la Galerie Pierre Matisse à New York, Miro commence à épurer davantage l'approfondissement de ses découvertes antérieures. Cette évolution avait été annoncée par Bleu I, II, III. Cela reflète avant tout la confiance suprême que l’artiste avait acquise en composant et en coloriant ses tableaux. Le style est incomparable. Miro jouait avec des codes qui décrivent le mouvement des objets d'une manière particulièrement simple. Par exemple, une certaine trajectoire peut être représentée par une ligne, généralement fine, se terminant par un point ou par une paire de parenthèses. Ce dernier symbole était souvent utilisé par Miro comme une sorte de conteneur, pour empêcher l'énergie de s'échapper. De plus, ils regardent dans deux directions différentes, se référant aux dernières images de Miro des années 1950 – pleines de mouvements brusques et de symboles primitifs – tout en espérant en même temps une toute nouvelle liberté artistique, une attitude spontanée envers la matière et couleurs, d'une manière jusqu'alors inédite.

Bleu II, 4-3-61 - (JM-276) - Joan Miro comme impression d'art ou huile peinte à la main.

6. L'échelle d'évacuation, 1939

Titre espagnol : échelle de secours

Alors que les forces d'occupation allemandes menaçaient la France, Miró emmena sa famille vivre dans le havre de paix de Palma, sur l'île de Majorque. C'est ici qu'il réalise sa série Constellations en 1940-1941. Miró avait parlé de « la nécessité profonde qui le fait participer aux bouleversements sociaux, qui l'attache, lui et son travail, au cœur et à la chair du prochain et fait du besoin de libération en chacun de nous un besoin qui lui est propre ».

Ces peintures musicales all-over ont des fonds texturés enfumés sur lesquels des formes tirées du répertoire de formes symboliques de Miró dansent et bougent. L'historien de l'art retrace la complexité de leur genèse et la façon dont ils sont liés aux expériences de guerre de Miró – dans The Escape Ladder, 1940, les oiseaux en piqué symbolisant les bombardiers au-dessus de l'Espagne et le désir de s'échapper.

L'échelle d'évacuation, 1940 par Joan Miro

7. Nature morte avec une vieille chaussure, 1937

Titre espagnol : Bodegón del zapato viejo

Miró a créé Nature morte avec vieille chaussure à Paris pendant quatre mois de concentration intense, travaillant sur le vif pour la première fois depuis de nombreuses années. Le tableau évite toute catégorisation simple. C'est à la fois une nature morte et un paysage : le bord arrière irrégulier du plateau peut être lu comme une ligne d'horizon. Les objets ne sont pas à l'échelle et sont isolés dans des cellules discrètes, créant une rupture formelle qui rappelle le travail de collage de Miró. La couleur est acide, très saturée et dissonante. Pour Miró, ce tableau capturait une « réalité profonde et fascinante ».

Joan Miró. Nature morte avec une vieille chaussure. Paris, 24 janvier-29 mai 1937 | MoMA

8. 68 mai 1973

Titre français : mai 1968

Au printemps 1968, des étudiants des universités de sorbonne et Nanterre se sont révoltés lors de manifestations continues qui ont duré près d'un mois et demi. Cette révolte a poussé les ouvriers à faire grève. Il était connu sous le nom de Mai français et 68 mai. Joan Miró a sympathisé avec le mouvement et a réalisé cette œuvre, un mur où la vitalité et les imprimés sont idéaux pour ces événements.

Mai 1968, 1968 - 1973 - Joan Miro - WikiArt.org

9. Le champ labouré, 1924

Titre catalan : Terre llaurada

Au cours de l'été 1923, Joan Miró commença à peindre Le champ labouré, une vue de la ferme familiale à Montroig, en Catalogne. Bien que thématiquement lié à ses premières vues rurales quasi-réalistes de couleur fauviste, telles que Prades, Le Village, ce tableau est le premier exemple de la vision surréaliste de Miró. Sa juxtaposition fantaisiste de formes humaines, animales et végétales et son éventail de créatures schématisées constituent un domaine visible uniquement à l'œil nu et révèlent la vaste étendue de l'imagination de Miró. En travaillant sur le tableau, il a écrit : « J’ai réussi à m’évader dans l’absolu de la nature ». Le champ labouré est ainsi une métaphore poétique qui exprime la conception idyllique de Miró de sa patrie, où, dit-il, il ne pouvait pas « concevoir les méfaits de l'humanité ».

Le champ labouré | Les musées et la Fondation Guggenheim

10. Portrait de Vincent Nubiola, 1917

Titre espagnol : Retrato de Vicenç Nubiola

C'est l'une des œuvres les plus connues des débuts de Miró, lorsqu'il expérimentait un mélange des deux Cubisme et Fauvisme. A cette époque, il réalise plusieurs paysages et portraits, comme Portrait d'Enric Cristòfol Ricart également de 1917 et maintenant au Metropolitan Museum of Art de New York. Plusieurs auteurs commentent que cette œuvre pourrait être influencée par le style de Van Gogh pour lequel Miró a toujours ressenti de l'admiration. Le portrait de Nubiola est signé il avait l'air dans la marge inférieure gauche.

Le tableau représente Nubiola assise sur une chaise à côté d'une table sur laquelle se trouvent des fruits, un porro (vase à vin typique catalane à boire directement sans verre) et une plante en pot. Le fond plat derrière la figure est décoré de triangles et d'arcs. Le rouge de la chemise à col ouvert de Nubiola indique son radicalisme politique ; Miró s'est représenté portant une chemise identique dans un autoportrait ultérieur. Cette œuvre fut ensuite acquise par Picasso.

Portrait de Vincent Nubiola par Joan Miro